Cadena perpetua

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Título: Cadena perpetua (The Shawshank redemption)
Director: Frank Darabont
Intérpretes: Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, William Sadler
Año de estreno: 1994

Aunque soy una lectora apasionada, debo confesar que la obra de Stephen King siempre me ha echado un poco para atrás. Probablemente se deba a que siempre he asociado a este autor con el género del terror, el único al que me resisto, y como para apoyar mi teoría, ahí están esos clásicos del género tanto en novela como en cine que son Carrie, El resplandor, It, Los chicos del maíz o Christine. Por eso sólo he leído la primera entrega de La Torre Oscura, aunque debo reconocer que últimamente el revisionado de La milla verde y el tardío descubrimiento de Cadena perpetua están logrando que me plantee conocer mejor al famoso autor de Maine.

Nos encontramos en 1947. Un banquero llamado Andy Dufresne es condenado a cadena perpetua por el asesinato de su esposa y el amante de ésta. Al llegar a la prisión de Shawshank, Andy traba amistad con Red, un preso veterano que consigue objetos desde el exterior. Los años pasan hasta convertirse en décadas, y Andy consigue granjearse la amistad de los presos y la confianza de los funcionarios de la prisión, cambiando las vidas de todos ellos.

Cadena perpetua me recordó mucho a La milla verde, que rodó Darabont cinco años después, y no sólo por estar ambientadas en prisiones. Hay algo en la atmósfera de las dos películas que coincide, y una no puede evitar preguntarse si la similitud procede del director que dio a luz las dos películas o la fuente original, ya que tienen un aire muy similar, lo cual no quiere decir que vaya a establecer comparaciones entre ellas. Cada una es magnífica por separado, y si algo se puede decir de ambas es que poseen un poder para conmover sencillamente impresionante.

Cadena perpetua es una película de excelente factura técnica, con detalles cuidados al máximo que se adaptan a la perfección a la trama para hacerla hipnótica de principio a fin. Destacan las interpretaciones de los actores, sobre todo Tim Robbins y Morgan Freeman como Andy y Red, que logran una implicación espectacular y transmiten un verdadero sentido de amistad a medida que avanza la película, pero sobre todo en la última media hora. Lo cierto es que, viéndola, una se explica que sea un verdadero clásico: tiene un encanto muy particular y transmite, de algún modo, una enorme paz, como si, a lo largo del desenlace, se demostrase que hay justicia en el mundo, después de todo.

Puntuación: 9

Fahrenheit 451

Título: Fahrenheit 451
Autor: Tim Hamilton (según la novela de Ray Bradbury)
Año de publicación: 2009
Editorial: 451 Editores

La verdad es que Fahrenheit 451 se vino a casa el mismo día que Dorian Gray. No iba en busca de cómics, pero sucedió que ambos volúmenes se me plantaron delante casi a la vez, y curiosamente, ambos adaptaban dos de mis novelas preferidas. Así acabé volviendo con los dos en vez de con lo que había ido a buscar... pero ésa es otra historia.

¿Quién no conoce, al menos superficialmente, el argumento de Fahrenheit 451? Guy Montag es un bombero, pero su profesión consiste en provocar incendios, no en sofocarlos. Pero lo que se quema es algo muy particular: los bomberos queman libros, objetos prohibidos que hacen pensar a la gente, y todo el mundo sabe que pensar nos hace infelices. Montag parece tenerlo todo, pero es infeliz; conocer a Clarisse, una muchacha de diecisiete años, le hace replantearse su trabajo, algo que le hace tomar una serie de decisiones que le hacen precipitarse en una desesperada huida hacia delante, perseguido por quienes antes eran sus amigos y compañeros.

Esta versión de Fahrenheit 451 tiene como detalle interesante que es la adaptación oficial de la novela, precedida de hecho por un interesante prólogo del propio Bradbury. El cómic ofrece una imagen oscura y bastante siniestra del mundo en el que se desarrolla la historia, con fuertes contrastes y un interesante tratamiento del personaje de Montag que se aleja de su imagen más conocida, la del actor Oskar Werner, que le prestó su rostro en la famosa versión cinematográfica de la novela dirigida por François Truffaut en 1966. Fahrenheit 451 condensa la integridad y el significado de la novela original sin desmerecerla lo más mínimo, añadiéndole un espectacular apartado visual que le aporta una dimensión nueva pero, al mismo tiempo, perfectamente ensamblada y digna de 451.

Puntuación: 10

Cómo acabar con tu jefe

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Título: Cómo acabar con tu jefe (Horrible bosses)
Director: Seth Gordon
Intérpretes: Jason Bateman, Charlie Day, Jason Sudeikis, Kevin Spacey
Año de estreno: 2011

Ahora que la búsqueda de empleo me está agobiando (aunque llevo así cerca de un año), el visionado de esta película se ha convertido en una especie de ironía del destino. No obstante, gracias a ella he logrado evadirme de la situación y echarme una risas, situaciones escatológicas incluidas. Está claro que no hay como una buena comedia para sentirse mejor, ¿no creéis?

Nick, Dale y Kurt son tres amigos del instituto que, a pesar de ejercer profesiones muy diferentes, comparten el mismo problema: los tres odian a sus respectivos jefes. El de Nick es un sádico llamado David Harken que disfruta humillando a sus empleados, especialmente al propio Nick; la de Dale es la doctora Julia Harris, una maníaca sexual que le acosa, y el de Kurt es Bobby Pellitt, un drogadicto hijo de su anterior jefe entre cuyos planes sólo entra exprimir la empresa de su padre y echársela por encima. Desesperados, los amigos toman una decisión drástica: tienen que matar a sus jefes, y para ello recurren a la ayuda de un ex presidiario llamado Hijoputa Jones.

Echad un vistazo al reparto. No sólo a los que aparecen en mi minificha, sino también a los del póster. Sí, esos son Kevin Spacey, Jennifer Aniston y Colin Farrell, y los tres hacen unos papeles que sustentan la película por sí sola más allá de las situaciones cómicas. El primero da una verdadera lección de actuación como el psicópata David Harken, Jennifer Aniston sorprende saliéndose de su registro con la ninfómana Julia Harris y Colin Farrell no sólo tiene un aspecto de lo más extraño con esa calva postiza, sino que además sus escenas como Bobby Pellitt le confirman como el personaje más delirante de la cinta, cuyo humor basado en situaciones absurdas y tópicos sexuales no la hace menos hilarante.

Puntuación: 8

Ángel mecánico

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Título: Cazadores de Sombras: Los Orígenes 1. Ángel mecánico
Autor: Cassandra Clare
Año de publicación: 2010
Editorial: Planeta

Creo que ninguna de las novelas juveniles que estoy leyendo últimamente me han llegado a gustar tanto como los tres primeros volúmenes de Cazadores de Sombras, y eso que su cuarta entrega, Ciudad de los Ángeles Caídos, me dejó bastante fría. Quizá por eso he acabado cayendo en manos de Los Orígenes, una trilogía ambientada en el mismo mundo que Cazadores de Sombras pero en una época muy diferente. Plagada de guiños a su serie hermana, Cazadores de Sombras: Los Orígenes no decepciona.

Nos hallamos a finales del siglo XIX. Tessa Gray viaja desde Nueva York a Londres para reencontrarse con su hermano mayor, Nathaniel, pero es secuestrada por un extraño culto que se hace llamar Club Pandemonium. Tras ser rescatada por los Cazadores de Sombras, Tessa acaba quedándose en el Instituto de Londres, donde conoce a los tres Cazadores de Sombras más jóvenes que allí viven: Jessamine Lovelace, que desprecia su linaje y tan sólo desea ser una dama más; Jem Carstairs, enigmático y amable, y Will Herondale, huraño y sarcástico; los dos chicos logran enredar los sentimientos de Tessa, como si no tuviera suficiente con la amenaza que se cierne sobre los Cazadores de Sombras, sobre Londres y sobre todo el Imperio Británico.

Clare toma como punto de partida el mundo que ella misma ha creado para introducir unos personajes completamente nuevos (algunos antepasados directos de los que aparecen en Cazadores de Sombras) con una ambientación histórica que le da a la trama y a ese mundo un barniz completamente nuevo. Una vez más, el punto fuerte es su narrativa, esa manera suya de plasmar los hechos, y la caracterización de los personajes, completamente distintos a los que protagonizan su anterior saga, en la que aún está trabajando.

Aunque despojada de su título original (The Infernal Devices, literalmente Los Mecanismos Infernales), Los Orígenes ofrece a sus lectores una inmersión nueva en el universo de la autora, con un estilo mucho más cercano al de las tres primeras entregas de Cazadores de Sombras (no en vano fue publicado  después que Ciudad de Cristal) y logra que recordemos por qué esta autora es tan genial.

Puntuación: 9

The Deep Blue Sea

Título: The Deep Blue Sea
Director: Terence Davies
Intérpretes: Rachel Weisz, Tom Hiddleston, Simon Russell Beale, Ann Mitchell
Año de estreno: 2011

Ahora que el papel de Loki en Thor y en Los Vengadores le ha hecho conocido, una fan fatal como yo busca desesperadamente películas en las que aparezca Tom Hiddleston. El londinense, cuya carrera hasta 2011 se había desarrollado mayoritariamente en teatro y televisión, está en boca de todos en ciertos foros en Internet que no tardaron en contagiarme su entusiasmo por él. Por eso decidí ir al cine a ver The Deep Blue Sea, una celebrada cinta premiada en festivales el año pasado en la que desempeña un papel protagonista.

The Deep Blue Sea nos cuenta la historia de Hester Collyer, una mujer que hacia 1950 vive una existencia convencional y aburrida con su esposo, William Collyer, juez del Tribunal Supremo. No obstante, al conocer a Freddie Page, ex piloto de la RAF, Hester se enamora perdidamente lo deja todo por estar con él, aunque sabe que Freddie no la ama de la misma manera que ella a él. Mediante una serie de largos flashbacks, descubrimos el proceso de las relaciones de Hester tanto con su marido como con Freddie, la manera en la que una interfiere con la otra y el descubrimiento de su protagonista de las distintas facetas del amor.

The Deep Blue Sea adapta la obra teatral homónima de Terence Rattigan, estrenada en 1952 y anteriormente llevada a la pantalla con Vivien Leigh, Kenneth More y Emlym Williams como el trío protagonista. La época en la que fue escrita se deja ver en las reacciones de Hester y su manera de someterse a Freddie en cierto momento de la película; no me considero feminista, pero más de una vez me enervó su sumisión y su reacción, si bien la historia trata de transmitirnos la naturaleza de sus sentimientos. No obstante, uno de los temas cruciales del desarrollo de la historia de amor en The Deep Blue Sea, que es el comportamiento escandaloso (para la época) de las acciones de Hester apenas aparece reflejado, de manera que el argumento acaba como un drama intimista más.

La película se recrea en largas escenas de gran belleza, con un halo borroso y la atmósfera sombría de la posguerra, pero adolece de una lentitud casi enervante que logra que la película parezca mucho más larga de lo que es en realidad. Sólo es un defecto, pero en mi opinión es lo bastante grave como para lastrar toda la película, que en ciertos momentos me resultó infumable.

Puntuación: 4

Dorian Gray

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Título: Dorian Gray
Autor: Enrique Corominas (según la novela de Oscar Wilde)
Año de publicación: 2012
Editorial: Diabolo

Creo que, a estas alturas, mi afición por Oscar Wilde debe ser harto conocida entre los lectores de mi blog. Por eso no pude resistirme cuando tuve entre mis manos este excelente volumen que adapta su única novela, y es que después de un tiempo sin tocar los cómics, ¿quién mejor que Oscar para regresar a ellos?

Dorian Gray adapta al cómica la novela El retrato de Dorian Gray, cuyo argumento gira, como muchos lectores sabrán, en torno a un hermoso joven , Dorian Gray, que obtiene el don de la eterna juventud tras desear no envejecer nunca y no perder así su belleza. Seducido por el amoral dandy Harry Wotton, Dorian descubre que puede dejarse llevar por cualquier vicio sin que éstos dejen huella alguna en su angelical físico, ya que lo que se corrompe es su imagen en el retrato que el su amigo común con Harry, el pintor Basil Hallward, realiza de él.

No es la primera vez que la inmortal historia relatada por Wilde adquiere un aspecto visual, si bien sus adaptaciones más habituales han sido en cine, televisión y teatro. Corominas condensa gran parte de la cuidada literatura del autor en sus detalladas acuarelas, ya que el cómic completo está realizado con esta técnica, y divide la historia en cuatro partes en cuyas portadas podemos apreciar el cambio del famoso retrato a medida que avanza la obra. Corominas respeta el espíritu de El retrato de Dorian Gray introduciendo unos mínimos cambios detallados en las últimas páginas de la obra, dedicada a explicar el proceso de adaptación de la celebérrima novela, junto al que nos muestra una colección de impresionantes ilustraciones que cierran un volumen de verdadero lujo.

Puntuación: 10

Titan A. E.

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Título: Titan A. E.
Director: Don Bluth y Gary Goldman
Intérpretes (voces): Matt Damon, Bill Pullman, Drew Barrymore, Nathan Lane
Año de estreno: 2000

Ahora que el cine de animación goza de un nuevo auge gracias al 3D, la animación por ordenador y el siempre excelente trabajo de Pixar y Dreamworks, quisiera pedir un minuto de silencio para reivindicar una vez más Sullivan Bluth Studios, el estudio fundado en los 80 por Don Bluth, ex animador en Disney, que dio durante dos décadas unas cuantas joyas animadas como Nimh, el mundo secreto de la señora Brisby, Fievel y el nuevo mundo, En busca del Valle Encantado y Todos los perros van al cielo, por ejemplo. A finales de los 90, la alianza con Fox Animation Studios tuvo como resultado una de mis películas de animación preferidas, Anastasia, y en el año 2000, el fracaso comercial de Titan A. E. clausuró la actividad de ambos estudios de animación.

Titan A. E. se desarrolla en el año 3043, quince años después de la destrucción de la Tierra por una raza alienígena, los Drej. Cale Tucker es un joven humano acostumbrado a la supervivencia en el espacio, relegada su especie al escalafón más bajo en todas las jerarquías. Cale es el hijo del difunto Sam Tucker, un científico que construyó una nave llamada Titan, cuya existencia motivó a los Drej a destruir la Tierra. Pero para Cale nada de eso tiene importancia: está muy ocupado odiando su vida y el legado de un padre al que apenas recuerda. Pero cuando Joseph Korso, un viejo amigo de su padre, le ofrece que busquen juntos el Titan, Cale se ve incapaz de negarse, ya que los Drej también saben que él tiene la clave para dar con la nave, oculta en algún lugar del espacio. Así que junto a Korso, su guapa copiloto Akima, el locuaz primer oficial Preed, la especialista en armas Stith y el astrónomo Gune, todos a bordo de la nave Valkiria, Cale le da una oportunidad a las pistas que le dejó su padre para dar con el Titan, la última esperanza de la Humanidad de recuperar su hogar.

Viendo Titan A. E. no podía dejar de preguntarme cuán espectacular debió ser el fracaso comercial de la película como para obligar al estudio a cerrar, cuando hay películas mucho peores cuyos estudios siguen danzando por ahí, más o menos mermados. Quizá no recuperaron la inversión que debió suponer la inclusión de animación digital, que ocupa gran parte del metraje, sin duda alguna con la voluntad de aportar a la película una imagen futurista acorde con la temática de ciencia-ficción de la trama. Naves, Drej y muchos fondos están realizados con unos gráficos que a día de hoy son risibles, pero que sin duda en su época debieron ser muy novedosos. Sólo los personajes están realizados con animación tradicional, y cuentan con una poderosa expresividad que recuerda, sobre todo en el caso de los tres protagonistas humanos, a los de su hermana mayor, la fantástica Anastasia.

Titan A. E. se completa con algunas escenas de acción bien resueltas, otras sencillamente geniales, como la persecución a través de los Anillos de Hielo de la Nebulosa de Andali y una banda sonora potente con interesantes canciones rock que sin duda alejaron a Titan A. E. de la clase de películas que se hacían en esa época (ese año, Disney estrenó Fantasia 2000 y Dinosaurio, mientras que DreamWorks hacía lo propio con La ruta hacia El Dorado). No me cabe la menor duda de que, estrenada hoy, Titan A. E. habría sido un gran éxito. Supongo que eso hace de sus creadores (guiño friki: uno de sus guionistas fue Joss Whedon, director de Los Vengadores) unos auténticos visionarios.

Puntuación: 8

Una historia casi divertida

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Título: Una historia casi divertida (It's kind of a funny story)
Director: Anna Boden y Ryan Fleck
Intérpretes: Keir Gilchrist, Emma Roberts, Zach Galifianakis, Viola Davis
Año de estreno: 2010

Aunque lo parezca, no es que ahora me haya dado por repasar la filmografía de Zach Galifianakis. Hacía tiempo que sentía curiosidad por esta película a raíz de unos cuantos gifs y citas de la misma, así que decidí verla para, de paso, reconciliarme con Emma Roberts, a la que conocí en una película que considero de las peores que he visto, si no la peor. Por suerte, este último punto ha sido resuelto gracias a Una historia casi divertida.

Craig es un adolescente que lleva una vida normal, pero un buen día acude al hospital en busca de ayuda, ya que se ha llegado a plantear el suicidio. Ingresado en la planta de Psiquiatría, Craig conoce a una serie de excéntricos personajes, entre los que destacan Bobby, un cuarentón que lucha por seguir viendo a su hija, a lo que su ex-esposa se niega, y Noelle, una muchacha que lucha contra la autolesión y que parece enamorarse de Craig a medida que le va conociendo. Las experiencias del chico en la planta de Psiquiatría le llevan a conocer un lado de sí mismo que había olvidado y a plantearse por completo su manera de ver la vida, además de darle la oportunidad de hacer algo tanto por los demás como por sí mismo.

Aunque a primera vista parece un simple ejercicio de filosofía hipster cercano a los argumentos de novelas tan icónicas para esta ¿tribu? urbana en Estados Unidos como The perks of being a wallflower o Looking for Alaska, y de hecho tiene escenas y frases que lo corroboran bastante, Una historia casi divertida ofrece un mensaje optimista, momentos cómicos que encajan a la perfección con los dramáticos y personajes tiernos aunque no muy favorecidos por el doblaje. La cinematografía simple refuerza un cuidado aspecto indie al que ayuda bastante el eficaz score compuesto por Broken Social Scene.

Puntuación: 7